En Bogotá hay lugares que no distinguen los días de la semana, su ajetreo casi es el mismo de lunes a domingo. Es una característica de las ciudades grandes, es por eso por lo que coloquialmente se dice que en la capital “siempre hay algo para hacer”. Uno de estos lugares llenos de magia, para muchos, es el centro de la ciudad.

Independientemente del día, lo más probable es que al transitar por sus calles te topes con carros circulando por sus angostas vías, un par de imponentes buses rojos del sistema de transporte público de la ciudad, comercios atendiendo desde tempranas horas de la mañana, jóvenes universitarios ya acostumbrados a vivir cerca a sus alma mater, y hasta turistas extasiados por la novedad que constantemente se presenta ante sus ojos. Para quiénes no estamos acostumbrados a la dinámica del centro, desde el primer paso que damos en sus frecuentadas calles, parecemos unos visitantes en nuestra propia ciudad y yo no era la excepción.

Tenía todo preparado para llegar cerca de las diez de la mañana, hora en la que el Museo de Arte Moderno de Bogotá, mejor conocido como MAMBO, abre sus puertas a sus visitantes de los sábados. El edificio de ladrillos, diseñado por el arquitecto Rogelio Salmona, se ubica en el centro histórico y cultural de la ciudad. En palabras de Jorge “Coque” Gamboa, fotógrafo y arquitecto de la Pontificia Universidad Javeriana, “el Museo Arte Moderno es un legado a la ciudad, pues es un elemento articulador entre el Parque de la Independencia y el centro. Yo pienso que alguno de los sueños de Salmona a través de caminos, texturas, material y todo esto era interconectar la ciudad como un sistema orgánico.”

El edificio abrió sus puertas por primera vez 1985 después de pasar transitoriamente por sedes que van desde las instalaciones de la Universidad Nacional, hasta un pequeño local en el centro de la ciudad; primera sede del museo en 1963. 

Desde el primer momento que llegas a sus instalaciones, el MAMBO se muestra como una expresión creativa en medio de la ciudad. En la entrada se ve a un vigilante, quien antes de darme paso me pregunta por la cámara CANON que llevo, un detalle poco difícil de ignorar a pesar de estar en su respectivo estuche negro. En el museo no se permiten tomar fotos con cámaras profesionales, a menos de que se solicite una autorización previa para proyectos periodísticos como este.

Entré al lobby del recinto, en el que se veía una combinación entre la exposición que recibe a los visitantes, el color de la tienda de souvenirs, el mesón largo con cuatro televisores al fondo donde se compran las boletas para la entrada, y la pequeña sede del restaurante de la franquicia bogotana Crepes & Waffles; de donde se desprendía el olor de los platillos que estaban preparando. Fue en ese momento que comenzó mi aventura entre las exposiciones de arte contemporáneo nacional e internacional. 

La propuesta del Minotauro

Instintivamente, me dirigí a las escaleras para comenzar el recorrido en el sótano del museo; en la sala Sonia y Carlos Haime, dedicada a las obras de la colección del museo que, durante el tercer ciclo que comenzaba esa semana, albergaría la exposición La casa de Asterión, un espacio para hacer accesible la Colección del Museo. En palabras de su director artístico, Eugenio Viola: “Es parte de un ciclo de exposiciones que tiene como objetivo re-presentar obras de la colección del museo, generando nuevas conexiones, nuevas asociaciones y contextos; por esto hablamos de ‘Colección en escena’, de la cual esta, precisamente, es la sexta iteración en siete años”, comenta.

Pero más allá de eso, La casa de Asterión es una propuesta que busca explorar las tensiones entre lo humano y lo monstruoso, la transformación y la identidad. Nombre inspirado por el cuento homónimo de Jorge Luis Borges; que sirvió de inspiración “para una selección de obras de la Colección MAMBO que abordan la transformación, hibridación y desafío de los límites de la humanidad, temas recurrentes en la historia expositiva del Museo”, indica Eugenio Viola.

Mientras descendía, escalón por escalón, hubo un ruido que me hizo saltar del susto; la primera obra que llamaría mi atención de la exposición. “Histérica” es una instalación de la artista bogotana Feliza Bursztyn, compuesta por un grupo de placas de metal las cuales, gracias a un sistema, se movían automáticamente haciendo un ruido bastante particular. Su trabajo se caracterizaba por experimentar con materiales no convencionales, como una propuesta disruptiva del arte contemporáneo.

En medio del recorrido se podían encontrar expresiones artísticas de todo tipo: pinturas, esculturas, fotografías, y demás apuestas que ponen a prueba las concepciones tradicionales del arte. Las fotografías de Ruvén Afanador y la litografía de Pedro Alcántara Herrán son la cereza del pastel en un salón que, si no fuera por una escultura antropomorfa en el centro de la exposición, podría confundirse con una transmisión de televisión en 1954. Cada expresión artística que componía La casa de Asterión parecía una invitación al espectador a reflexionar sobre las transformaciones del ser humano en su historia, explorando su belleza y rareza. 

Re-filmando la historia

Este diálogo entre tensiones que rodean al ser humano fue un aspecto en común en la siguiente exposición que visité, La saga total de Su Hui-Yu; presentada en la sala Alejandro Obregón. Esta es la primera exposición individual del artista multimedia taiwanés en América Latina, y su primera vez en Colombia. La exposición explora la memoria, identidad y tecnología y su práctica re-filmar que, en palabras del artista, “es como si intentáramos crear una diversidad de perspectivas de la historia, porque normalmente en un momento concreto siempre tenemos una o dos versiones de la respuesta. Podemos interpretar diferentes ámbitos específicos, y re-filmar tiene que ver con eso. Intento re-filmar desde una perspectiva diferente o crear una imaginación. A veces no se trata de la respuesta sino de despertar la curiosidad del público.”

Desde que das los primeros pasos en la exposición Su Hui-Yu logra su cometido: “quiero darles una pista de que, cuando entren en mi exposición, lo primero que probablemente sentirán será alegría, sorpresa o disfrute por el impacto de los elementos visuales. Es muy colorido. Este impacto visual tan fuerte de todas las películas de televisión, los monitores y tanto Women's Revenge como The Space warriors and the Digigrave. Es glamoroso, colorido y psicodélico.”, acota el artista. Colores como el rojo penetrante y azul profundo pero brillante hacen parte de la amplia paleta de colores que conforman la vista de las personas al llegar a la sala.

Pero más allá de la apuesta por los colores, la obra del artista es una invitación a pensar en los elementos detrás de lo que muestra la pantalla. Sus obras, recordando las memorias de su infancia bajo la Ley Marcial durante el gobierno del Kuomintang (KMT), son la reinterpretación de hechos que marcaron a toda una generación en Taiwán, a su vez que es una invitación a quienes visitan el museo de evocar y repensar los momentos de la memoria nacional propia.

La importancia de los museos en la construcción de memoria histórica es compartida desde una visión institucional en Colombia. Sebastián Llano Vesga, arquitecto y contratista del Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes comenta que “hay procesos de memoria que son muy importantes que se pueden fortalecer, y yo creo que ese es el futuro hacia donde tienen que ir los museos, no solo aquí en Bogotá sino a nivel nacional.”.

Asimismo, Esteban Agudelo Franco, egresado del programa de Arte de la Universidad de los Andes y estudiante de MFA in Studio con énfasis en Cine, Video, Nuevos Medios y Animación del School of the Art Institute of Chicago (SAIC), coindice en la importancia de que la oferta cultural trate la construcción de memoria histórica.  “Los museos sí deberían jugar ese rol de involucrarse en la en los procesos políticos y sociales del país. Nosotros, no nos podemos dar el lujo de tener grandes instituciones desvinculadas de la historia”, comenta.

La saga total entiende esa necesidad de fortalecer la memoria desde el arte. “Creo que mi trabajo tratará de despertar en ellos una mayor ambición por conocerse a sí mismos o por conocer el proceso de formación de la historia”, comenta Su Hui-Yu.

Intriga en el arte

Al llegar al tercer y último piso del museo nos encontramos con Pánico efímero, la exposición de Ambra Castagnetti. A diferencia de La saga total, al llegar a la exposición de la artista italiana son los colores neutros los que dominan el ambiente. Paredes blancas, una sala completamente iluminada y una apuesta que pareciera más minimalista que cualquier otra cosa que se pudiera encontrar en el museo.

Ante esta oferta traída por el museo, Esteban Agudelo comenta sobre la importancia de los espacios promovidos por el MAMBO, trayendo artísticas como Ambra Castagnetti y Su Hui-Yu en la construcción del diálogo artístico en la ciudad. “Creo que está muy bien que se rete al público, abrirse a estos diálogos frente a qué se está haciendo afuera o qué tiene alguien que está completamente distante de la realidad colombiana para decidir sobre nosotros", comenta.

El diálogo que se construye entre las distintas tensiones que se exploran en las exposiciones en torno a la comprensión de la naturaleza humana fue un elemento que el MAMBO entendió la perfección. Con las tres exposiciones que trae hasta el 15 de febrero de 2026, “investiga y cuestiona los límites de lo humano, las conexiones entre el arte y la tecnología, así como las maneras en que la creación puede convertirse en un espacio de resistencia, sanación y metamorfosis” en palabras de Eugenio Viola.

Entre tensiones, preguntas, colores y figuras, llega la hora de irse. Vuelvo a caminar por las escaleras mientras veo por una última vez Pánico efímero y La saga total. Al llegar al lobby del edificio vuelvo a sentir el aroma de las crepes del restaurante mientras guardo mi cámara para marcar el fin de la jornada.